繪畫中的莎士比亞戲劇
英國劇作家和詩人威廉‧莎士比亞有一句名言：「全世界就是一個舞台。」幾個世紀以來，美術家們一直以「埃文河的吟遊詩人」（The Bard of Avon，譯註1）的這句話為靈感，透過自己的媒介將其筆下的場景搬上「視覺舞台」。
作家兼記者安德魯‧迪克森（Andrew Dickson）寫道：「莎士比亞戲劇最棒的一點是，沒有人能告訴你它們應該是什麼樣子。劇本中的舞台說明和場景布置是出了名的簡短；幾乎沒有任何關於服裝或外觀的規定。」畫家們正是利用這一特點創作出波瀾壯闊的畫作，將莎翁戲劇的魅力展現得淋漓盡致，同時仍然發出自己的聲音、反映出獨特的風格。
《暴風雨》
威廉‧霍加斯（William Hogarth ，1697─1764年）是一位文藝復興式的人物，儘管他生活在喬治時代（譯註2）的倫敦。他是一位才華橫溢的版畫家、社會政治諷刺作家，也是一位畫家。他的畫作種類繁多，既有小規模的風俗場景和「交談畫」（conversation pieces，譯註3），也有真人大小的肖像和歷史畫。《腓迪南向米蘭達求愛》（Ferdinand courting Miranda，選自威廉‧莎士比亞的《暴風雨》第一幕第二場）展現了癡情的那不勒斯王子與《暴風雨》（The Tempest）女主角的初次相遇。
米蘭達與被流放的魔術師父親普洛斯彼羅（Prospero）住在遙遠的地中海小島上。畫中，普洛斯彼羅在米蘭達的右邊，他的奴隸卡利班（Caliban）在米蘭達的左邊。一隻蝙蝠在卡利班的頭頂盤旋；卡利班將一隻鴿子踩在腳下，象徵他對這對戀人的威脅；精靈愛麗兒正在頭頂奏樂。英國藝術與文學權威專家羅賓‧西蒙（Robin Simon）教授說：「我們知道霍加斯直接研讀了莎士比亞的劇本，因為在當時，《暴風雨》只以音樂劇的形式上演過，其中並沒有出現這一場景。」
這幅18世紀的小型歷史畫是已知最早描繪莎士比亞戲劇場景的畫作之一，也是霍加斯最重要的作品之一。收藏此畫的英國國民信託基金會（The National Trust）介紹說，這是藝術家想像中的「暴風雨」場景，而不是該段落在舞台上的表現。霍加斯希望開創一個英國歷史畫派，而沒有什麼比莎士比亞更「英國」了。
這幅畫於1766年由霍加斯的一位贊助人買下，此後一直懸掛在約克郡的諾斯特爾修道院（Nostell Priory），並透過贊助人的家族傳承下來。2002年，當時的主人有意出售它，多虧了英國藝術基金（Art Fund）慈善資助，這幅作品得以留存在英國，繼續公開展出。
哈姆雷特
19世紀中葉，隨著拉斐爾前派兄弟會的成立，英國藝術界發生了翻天覆地的變化。該團體從中世紀和早期文藝復興藝術中汲取靈感，在維多利亞時代倡導創作具有自然主義純粹性、精緻入微的細節、瑰麗色彩及詩意象徵的藝術作品。
約翰‧埃弗雷特‧米萊斯爵士（Sir John Everett Millais，1829-1896）是拉斐爾前派創始人之一。他在藝術生涯早期創作的油畫《奧菲莉婭》（Ophelia），可以說是史上鼎鼎大名的莎翁戲劇題材畫作。畫中描繪的場景取自《哈姆雷特》（Hamlet）第四幕第七場。
在哈姆雷特王子解除與奧菲莉婭的婚約並殺死她的父親後，她外出採花，從一棵柳樹上跌入溪流而溺水。然而，她真正的死亡並沒有在舞台上呈現，這讓藝術家們有了更大的想像空間。
米萊斯花了幾個月的夏日時光，坐在薩里郡的一條河邊，透過仔細觀察，得以在《奧菲莉婭》中讓自然世界纖毫畢現。畫中的植物具足象徵意義，原劇本中也提到許多植物：向著奧菲莉婭俯下來的垂柳，象徵被遺棄的愛情；柳枝旁的蕁麻代表痛苦；漂浮在她右手旁邊的雛菊代表著純潔；飛燕草代表她的悲傷；紫羅蘭代表忠誠與貞潔；三色堇暗示著未完成的愛；罌粟則代表死亡。所有這些都有準確的植物學細節描繪。
米萊斯的兒子後來講述了這樣一個故事：一位植物學教授無法帶學生去郊外，於是帶他們去看這幅畫，認為畫作的信息量不亞於親眼看到的自然世界。
1852年冬，米萊斯在畫室創作這幅畫時，以伊莉莎白‧西達爾（Elizabeth Siddal）為模特塑造了奧菲莉婭的形象。她身著古雅的銀色刺繡長袍，在以蠟燭取暖的浴缸裡一連擺了幾個小時的姿勢，蠟燭時而熄滅，導致水溫過低，使她生了病。西達爾堪稱拉斐爾前派的繆斯女神，後來嫁給了該畫派創始人之一但丁‧加布里埃爾‧羅塞蒂（Dante Gabriel Rossetti），而她本人也是一位藝術家和詩人。
泰特美術館今年舉辦的展覽「羅塞蒂一家」（The Rossettis）重新評價西達爾的作品，也探討了她身為模特兒的藝術影響。對某些人來說，展覽中最吸引觀眾的就是米萊斯的《奧菲莉婭》，這幅作品自首次公開展出以來就備受讚譽。1852年的《紀事晨報》（The Morning Chronicle）寫道：「米萊斯先生的天賦正在萌發、成為毋庸置疑的天才……《奧菲莉婭》的獨創性令人震驚。觀賞者驚歎於其非凡的處理手法，再看一眼就會被吸引，沉思片刻就會入迷。」
安東尼與克里奧佩特拉
在維多利亞時代，最主要的傳統藝術風格是學院派藝術。藝術從業者在歐洲的藝術學院接受訓練，創作古代古典世界（希臘羅馬時期）和歷史主題的場景。出生於荷蘭的勞倫斯‧阿爾瑪-塔德瑪爵士（Sir Lawrence Alma-Tadema，1836─1912年）於1870年定居倫敦，是當時最著名、最受歡迎的學院派藝術家之一。其專長是透過對考古學細節和質感的精確描繪，使奢華的昔日栩栩如生，這得益於他一絲不苟的學術研究、精湛的繪畫技巧和絢麗的色彩運用。
《安東尼與克莉奧佩特拉的會面：公元前41年》（The Meeting of Antony and Cleopatra: 41 BC）是阿爾瑪-塔德瑪的代表作之一，此畫於2011年在蘇富比拍賣行以2,920萬美元的驚人價格售出，遠超300萬─500萬美元的估價。它展現的是莎翁戲劇《安東尼與克莉奧佩特拉》的第二幕第二場，追摹了劇中主人公的首次邂逅。
二人在歷史上的真實會面，是古代最著名的事件之一：克里奧佩特拉（中文稱埃及豔后）在凱撒遇刺前是其情人；凱撒的復仇者之一、羅馬帝國後來的統治者馬克‧安東尼召見她，要她回答關於對他忠誠的問題。她的出場令安東尼感到目眩神迷，這是她為展示其帝國的驚人財富而策劃的一場盛會。正如史黛西‧希夫（Stacy Schiff）在傳記小說《埃及豔后》（Cleopatra: A Life）中所寫，這個真實故事「將引出莎翁最富麗的詩篇」。
佳士得拍品圖錄指出，在阿爾瑪-塔德瑪的時代，《安東尼與克莉奧佩特拉》一劇經常在倫敦舞台上演出。除了以繪畫還原莎翁戲劇場景外，阿爾瑪-塔德瑪也為其劇作的重要演出設計布景和服裝。
這幅畫複雜的構圖，這是阿爾瑪-塔德瑪作品的特色──是以一系列對角線和水平線為基礎。這有助於觀眾的視線在敘事中穿梭，在目光轉移之前吸收每個細節。莎士比亞台詞中的景象、聲音和氣息，如駁船、金色緞布、吹笛手和花朵的香氛，都被阿爾瑪-塔德瑪華麗地還原出來，還有細節精確的埃及象形文字銘文、珠寶、家具和裝飾圖案。畫家對場景和道具的安排，巧妙地為故事情節搭建了舞台。克莉奧佩特拉迷人的姿勢和衣著，讓安東尼驚歎又著迷。19世紀一位評論家認為這幅畫「冠絕群倫」（second to no work）。
以圖畫形式展現「吟遊詩人」（指莎士比亞）的文學藝術，有著悠久而豐富的歷史。由此產生的藝術作品，將莎翁文學栩栩如生地展現在人們面前，讓人們以視覺方式來理解這些文字。除此之外，追求這一主題的偉大藝術家們也創作出了蔚為壯觀的畫作，至今仍吸引著公眾的目光。
譯者註：
【1】「埃文河的吟遊詩人」（The Bard of Avon），也簡稱「游吟詩人」，莎士比亞的別稱，因莎士比亞出生並安葬於埃文河畔的英國斯特拉特福（Stratford）。
【2】喬治時代（Georgian），指大不列顛王國漢諾威王朝1714─1837年間的時期，期間四位名為喬治的國王，即喬治一世至喬治四世連續在位。
【3】交談畫（conversation pieces）是流行於18世紀英國的非正式群像，尺寸較小，通常刻畫室內或花園中的一家人或一群朋友。
原文Staging Shakespeare in Painting刊登於英文《大紀元時報》。
作者簡介：米歇爾‧普拉斯特里克（Michelle Plastrik）是一位藝術顧問，居住在紐約。她撰寫的文章涵蓋藝術史、藝術市場、博物館、藝術博覽會和特別展覽等一系列主題。
責任編輯：茉莉◇